LE JAZZ : UN CENTENAIRE QUI SE PORTE BIEN

Pour dire l'essentiel : le jazz est une musique née aux États-Unis d'Amérique, des traditions mêlées des esclaves noirs et des colons blancs. Cette musique se caractérise principalement par un rythme très marqué et une large part d'improvisation. Cette définition n'est pas exclusive : on classe dans le jazz des musiques au rythme à peine suggéré, et des orchestrations très écrites avec peu d'improvisation. Dans ce cas, ce sont les harmonies qui donnent la touche jazz à la musique.

• Le swing : (en anglais : balancer.) C'est l'un des vocables les plus appliqués au jazz. On dit que « ça swingue » quand la musique vous amène, malgré vous, à marquer le rythme avec votre corps, quand vous êtes entraînés dans ce balancement. Le swing donne comme une envie d'avancer en suivant le rythme.
  L'orchestre de Count Basie fut toujours considéré un modèle de swing 
• L'improvisation : c'est la création dans l'instant, non répétée, non préparée, d'une musique qui entre dans un cadre harmonique et rythmique préétabli.
  Exemple avec un air connu (issu de la chanson française, mais qui est devenu un standard du jazz) : le thème est exposé par le soliste, puis celui-ci improvise sur l'environnement harmonique du thème 

On a longtemps dit que le jazz était la musique des Noirs : oui et non. Oui, parce que sans l'apport des Noirs déportés d'Afrique comme esclaves aux États-Unis, le jazz ne serait pas ce qu'il est. Non, parce que dès ses débuts, le jazz a été joué aussi par des Blancs. C'est une musique qui aura permis à des Noirs de devenir rapidement connus, alors que dans d'autres métiers que celui de musicien, ils auraient mis quelques dizaines d'années de plus à devenir célèbres, à cause de la ségrégation raciale qui régnait aux États-Unis au début du XXe siècle.

Le jazz peut aussi se définir à partir d'une autre approche : l'instrumentation.

Un orchestre de jazz est composé de deux sections :

1. La section rythmique, qui donne le rythme, l'impulsion, ce sont donc des instruments à percussion ou qui peuvent facilement marquer un rythme, un tempo :
   • La batterie : tambour, caisses, cymbales, pas de notes mais des coups, des frottements.
   • La contrebasse ou la guitare-basse électrique, qui marque une pulsation, avec un rôle à la fois rythmique et harmonique.
   • La guitare ou le piano, instruments qui peuvent jouer des accords et marquer un rythme.
2. La section mélodique : les instruments à vent, à souffle, et la voix humaine. Ces instruments ne jouent qu'une seule note à la fois (sauf l'harmonica).

Parmi eux trois instruments très fréquents dans le jazz : la trompette, les saxophones, le trombone.

Entre les XVIe et XIXe siècle, les colonisateurs européens et américains (ceux-ci étant d'abord des colons principalement britanniques, c'est pourquoi on parle anglais aux États-Unis) ont eu besoin de main-d'œuvre pour les plantations de coton, de canne à sucre, de tabac. Cette main d'œuvre leur a été fournie par le tristement célèbre commerce triangulaire : les Européens, Anglais, Français, Espagnols, Portugais, viennent vendre des biens matériels en Afrique. En échange, ils chargent leurs bateaux d'esclaves africains, traversent l'Atlantique, et livrent les esclaves qui n'ont pas péri en mer aux propriétaires planteurs américains. (Dans les Antilles aussi, mais notre sujet reste l'Amérique du Nord). On estime à 200 millions le nombre d’esclaves déportés pendant ces trois siècles.

Deux civilisations se côtoient alors : la civilisation occidentale, les civilisations africaines. Les colons européens, en plus de maintenir les déportés africains en esclavage, leur imposent leur religion, la religion chrétienne, protestante surtout, et catholique.

Les esclaves noirs intègreront, bien obligés puisque leurs maîtres leur interdisent de pratiquer leurs cultes traditionnels africains, ces sources religieuses, qui se réfèrent à la Bible. Ainsi naîtront les Negro Spirituals.

Les Negro Spirituals : ce sont des chants de prière, dans lesquels les esclaves noirs expriment à la fois leur peine et leur espoir, leur résignation et leur désir de liberté, puisque la religion chrétienne se présente comme une religion d'espérance. Sur des mélodies simples, sans instruments, ces chants se développent dans la communauté noire. Le Gospel est la version moderne et avec instruments du Negro Spiritual.
Découvrez un exemple de Negro Spiritual. 
Dans cette interprétation, pas d'effets de rythme, seulement l'esprit du texte aux références bibliques.
Découvrez un exemple de Gospel. Cet extrait montre que le gospel est devenu, à partir d'un même matériau religieux, un spectacle musical plus qu'un chant sacré.

Dans le même temps, à côté des esclaves noirs, on trouve des blancs, pauvres, ouvriers, en situation de prolétaires, qui eux aussi s'expriment en musique. C'est à la fois la musique « country », le « work song » et le Blues. Le Negro Spiritual et le Blues donneront naissance au jazz. Qu'est-ce qui différencie le Negro Spiritual du Blues ?

• Le Negro Spiritual a des paroles pieuses, ferventes, tournées vers le religieux, vers Dieu.
• Le Blues a des paroles profanes, qui évoquent la misère matérielle, la dureté du travail, les amours perdues, et il est toujours accompagné par un instrument, le plus souvent la guitare. Découvrez un extrait de Big Bill Broonzy.

Dans les deux cas, ce sont des musiques simples, des harmonies élémentaires, faciles à jouer et à chanter.

• Le work song est un chant de travail, rythmé pour accompagner les gestes, comme les chants de marins pour tirer sur les voiles, il est plus considéré comme l'ancêtre de la musique country que du jazz, même si toutes ces musiques s’interpénètrent...

Au fur et à mesure que les esclaves sont affranchis, ou qu'il bénéficient chez leurs maîtres d'un accès à une certaine éducation et aux instruments - car il y avait chez les propriétaires planteurs des pianos, des instruments à vent et à cordes, c'étaient la plupart du temps des bourgeois cultivés - ces esclaves ou anciens esclaves pratiquent la musique, en intégrant les traditions de leur Afrique natale : les rythmes, et les traditions européennes : musiques de fanfares, polkas, mazurkas, toujours avec des mélodies simples : le jazz est né. On est à la fin du XIXe – début du XXe siècle.

Les premières formations comprennent des instruments à vent : trompette, saxophone, trombone, clarinette, tubas, tambour, des instruments qui permettent de jouer en marchant, comme dans les fanfares. Mais parallèlement, il y a des instruments moins mobiles, tels que le piano, sur lesquels on joue aussi cette musique. Le piano sera l'un des rarissimes instruments du jazz à être souvent joué en solo.

C'est à la Nouvelle-Orléans principalement que naît cette musique. Ce fut le berceau du jazz au début du XXe siècle, mais ce n'est plus aujourd'hui la capitale du jazz : le jazz s'est très vite déplacé dans les grandes villes du nord, et les capitales du jazz ont été successivement Chicago, et puis bien sûr New-York. Donc la Nouvelle Orléans est un peu le musée primitif du jazz, dans le quartier de prostitution de Storyville.

À la Nouvelle Orléans, le dimanche, les noirs se réunissaient à Congo Square, libérés quelques heures de leur condition d’esclaves, et ils faisaient de la musique, seule expression qui leur restait, puisqu’on trouvait surtout une tradition orale en Afrique, et que s’il y avait eu une tradition écrite, ils n’auraient de toute manière pas pu l’emporter avec eux.

Des mélodies simples sur des harmonies simples, un rythme marqué sur tous les temps, un jeu collectif où plusieurs musiciens improvisent ensemble sur une trame harmonique. Les orchestres jouent notamment sur les riverboats, ces bateaux à roues qui naviguaient sur le Mississipi.

Découvrez un exemple de l’Orchestre de Kid Ory.   

Le piano de l'époque : Scott Joplin.

 Les Américains importent cette musique en France à l'occasion de leur participation - moins forte qu'en 1944 - à la Première Guerre mondiale. Le premier concert de jazz en France a lieu en 1918 à Nantes. L'orchestre américain qui a fait écouter du jazz aux Français était une fanfare militaire : celle du 369e régiment d'Infanterie Américaine. Elle est dirigée par un noir : Jim Europe.

À l’époque, pas beaucoup de disques, peu de postes de radio. On va beaucoup danser au son des orchestres. Danse, donc rythme, et les orchestres de jazz connaissent un fort développement. Ce sont les débuts du plus célèbre orchestre de jazz : celui de Duke Ellington, et plus tard de Count Basie.

Découvrez Duke Ellington Orchestra - Satin Doll.  

En ces temps-là, le racisme est institutionnalisé aux Etats-Unis, et beaucoup de ces orchestres sont composés de musiciens noirs. On en arrive à ce paradoxe : dans les salles de danse ou de concert, le public est blanc, car l’entrée est interdite aux noirs, et les noirs sont sur scène. Ils ne pourraient pas venir comme spectateurs. Le premier chef d’orchestre qui a pu imposer la présence de musiciens noirs avec les musiciens blancs dans son orchestre fut Benny Goodman. Puisque l’on parle de race - notion pertinente à l’époque mais qui ne l'est plus aujourd’hui - Benny Goodman était juif. C’était avant le nazisme et la Shoah.

On a vu que le jazz était arrivé en France dans les années 1915-1920. Il y a donc eu à partir de cette époque des musiciens de jazz français, il y en a toujours, et certains font des carrières internationales au même titre que les Américains. Le jazz est donc né en Amérique, mais il n’est plus, depuis longtemps, exclusivement américain. Dans les années 1930 des musiciens français deviennent célèbres en créant un jazz très typé : le jazz « Manouche ». Manouche parce que créé par le célèbre guitariste Django Reinhardt, un « bohémien », avec le violoniste Stéphane Grappelli. Cette musique, le jazz manouche, a toujours ses amateurs. Rythme très marqué, accompagnement à la guitare (pas forcément de batterie), sur un mode un peu monotone, en marquent tous les temps.

Découvrez Django Reinhardt - Minor Swing.

Avec les grands orchestres, on entend de grandes voix, notamment féminines : Sarah Vaughan, Billie Holiday.

Découvrez la voix d’Ella Fitzgerald.  

Et puisque nous sommes dans la période 1930-1945, un mot sur le jazz pendant la Deuxième Guerre mondiale : de nombreux musiciens de jazz américains étaient déjà venus en France, certains s’y étaient installés sur une durée longue, pour fuir le racisme de leur pays. Ils ont enregistré de nombreux disques en France dans l’entre-deux guerres. Le jazz est considéré par les nazis comme une musique dégénérée, et se trouve donc interdit. Les soldats américains qui vont participer au débarquement de juin 1944 arrivent aussi avec leurs fanfares, leurs orchestres. Le plus célèbre est Glenn Miller, tromboniste et chef d’orchestre, qui disparut lorsque son avion fut abattu entre Londres et Paris en 1944. 

Écoutez In the Mood. 

Le jazz était une musique nouvelle, révolutionnaire, puisqu'elle faisait jouer ensemble noirs et blancs, puisqu’elle était née au début du siècle. En 1945/48 le jazz n'avait que 40 ans, et pourtant, il était devenu un genre musical à part entière, avec ses règles, ses caractéristiques. On pouvait commencer à parler de jazz classique, alors que l'on opposait – et l'on oppose encore – jazz et musique classique. C'est là qu'une génération de jeunes musiciens a décidé de casser les codes de ce jazz classique, en inventant une nouvelle façon de jouer.

Ces jeunes musiciens, leur nom restera dans l'histoire du jazz : Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Thelonius Monk, Bud Powell. Ils inventent le style de jazz « Bebop ». Comment se caractérise-t-il ? On joue très vite, la batterie, notamment les cymbales, ont beaucoup d'importance, on va chercher des harmonies un peu dissonantes, qui écorchent un peu l'oreille de l'époque. Aujourd'hui ces dissonances ne choquent plus du tout. Les mélodies de départ sont toujours assez simples, ou reprennent des thèmes déjà connus dans le jazz classique, mais ils sont joués dans ce style Bebop.

Ce ne sont plus de grands orchestres de 25 musiciens et plus – quoique ceux-ci continuent à exister pour le public qui leur est fidèle – ce sont plutôt des formations de cinq à dix musiciens au maximum.

Écoutez Charlie Parker - Anthropology. 

Le Bebop ne convenait pas à tous les musiciens, et certains s'en détachèrent pour jouer une musique qui conservait les caractéristiques mélodiques et harmoniques du Bebop, mais avec une interprétation plus calme, moins rapide. Le jazz s'éloigne un peu de New York et Chicago, et va sur la côte ouest, la Californie. C'est un jazz moins excité, plus serein que le Bebop, mais il a aussi ses morceaux rapides comme ses morceaux lents.

Découvrez le “hard bop” par Art Blakey - Whisper not. 

Une autre chanson “hard bop” par Gerry Mulligan - Walkin'shoes. 

Certains considèrent le Free Jazz plus comme un phénomène sociétal que comme de la musique au sens noble du terme. Beaucoup des musiciens de jazz qui ont plongé dans le Free Jazz sont revenus depuis à une pratique plus traditionnelle.

Pendant la période du Free Jazz, si l'on ose dire, les travaux continuent, c'est-à-dire que les musiciens qui ne veulent pas entrer dans le mouvement du Free Jazz, continuent à développer le jazz selon des pratiques classiques. Le Free Jazz ne prend pas toute la place.

Et l'on verra apparaître, à peu près à la même époque, une musique qui s'intégrera au jazz très facilement : la Bossa Nova. La Bossa Nova est née au Brésil à la fin des années 1950, avec notamment le compositeur Antonio Carlos Jobim. Bossa Nova, d'ailleurs, signifie « nouvelle vague », donc ses promoteurs voulaient aussi respirer un air nouveau en métissant la musique brésilienne et le jazz moderne.

La Bossa Nova se caractérise par un rythme binaire, lent ou rapide, mais le plus souvent nonchalant. Le jazzman qui fera connaître la Bossa Nova, qui en fera du jazz, est le saxophoniste Stan Getz. Écoutez un extrait de Bossa Nova « Desafinado ».  

• New Orleans, Dixieland : Kid Ory, Louis Armstrong
• Swing : Duke Ellington, Count Basie
• Bebop :  Bud Powell, Charlie Parker, Dizzy Gillespie
• Hardbop, cool : Stan Getz, Jerry Mulligan, Chet Baker
• Free : Ornette Coleman
• Aujourd'hui : Pat Metheny, Michel Petrucciani,
• Les inclassables :
  • Thelonius Monk : harmonies dissonantes, frappe percussive du clavier
  • Le Modern Jazz quartet : un certain classicisme
  • Bill Evans : des harmonies très sophistiquées
  • John Coltrane : une recherche de l'absolu dans un quasi free jazz
  • Keith Jarrett : tous les styles à la fois
  • Martial Solal : virtuosité pure et facétie

• L’art du Jazz - Francis HOFSTEIN (Le Félin 2009 - Essai illustré)
• Free Jazz-Black Power - Ph. CARLES, J.L. COMOLLI (Folio 2000 - Essai)
• L’épopée du Jazz - F. BERGEROT, A. MERLIN (Gallimard Découvertes 1982 - Historique)
• Dictionnaire du Jazz - Ph. CARLES, J.L. COMOLLI, A. CLERGEAT ("Laffont Bouquins" 1988 - Dictionnaire (souvent réédité))
• Blue Monk - J. PONZIO, F. POSTIF (Actes Sud 1995 - Biographie de T. MONK)
• Les grandes interviews de Jazz Hot - François POSTIF (L’instant 1989 - Interviews)
• Las Vegas Tango - Laurent CUGNY (POL 1989 - "Miles DAVIS avec Gil EVANS")
• Stéphane GRAPELLI - Geoffrey SMITH (Filipacchi 1988 - Biographie)
• Strange fruit - "David MARG OLICK" (Allia 2009 - Bio partielle de Billie HOLIDAY)
• Ecrits sur le Jazz - Boris VIAN (Poche 1999 - Chroniques)
• Jazz-Jazz - Laurent VERDEAUX (Histoire D’être 2003 - Témoignage)
• MILES l’autobiographie - Miles DAVIS, Quincy TROUPE (In Folio 2007 - Biographie)
• Le Jazz dans tous ses états - Franck BERGEROT (Larousse 2007 - Essai)
• La rage de vivre - M. MEZZROW, B. WOLFE (Correa 1950 - Biographie)
• Bill EVANS, portrait de l’artiste au piano - Enrico PIERANUNZI (Rouge profond 2004 - Biographie)
• John COLTRANE - Lewis PORTER (Outre mesure/contrepoints 2007 - Biographie)
• Chet BAKER - Gérard ROUY (Limon 1992 - Biographie)
• L’improviste - Jacques REDA (Folio essais 1990 - Essai)
• Hommes et problèmes du Jazz - André HODEIR (Parenthèses 1981 - Essai)
• L’œil du Jazz - Herman LEONARD (Filipacchi 1988 - Photos)
• Un demi-siècle de Jazz - Hors-série cinquantenaire (L’instant-Jazz Hot 1986 - Compilation photos)
• Les années Jazz magazine - Collectif (Filipacchi 2000 - Compilation articles)
• Sous les pommiers le Jazz - Michel TANNEAU (CEAC Coutances 2001 - Photos)
• Le Jazz dans tous ses éclats - Laurent GODDET, Alex DUTHIL (Rochevignes 1983 - Historique)
• Chroniques du Jazz - Mervyn COOKE (Abbeville 1998 - Historique)
• Backstage Jazz in Marciac - Philippe GERARD, Serge LOUPIAU (Milan 2002 - Photos)
• Jazz Memories - Herman LEONARD (Filipacchi 2003 - Photos)
• Jazzistiques - André HODEIR (Parenthèses 1984 - Essai)
  
  

Sites internet :

• www.culturejazz.fr
• www.jazzstandards.com
• www.jazzhot.net
• www.plaisirsdujazz.fr